Pop Art: l'arte del consumo

Dagli anni '60, negli Stati Uniti, in pieno espansione economica, si fece strada una nuova corrente, la Pop Art, il cui padre può essere considerato Andy Warhol.
Era questo l'inizio dell'era dei consumi, della società di massa, dove il sorgere di supermercati ed elettrodomestici iniziava ad essere pratica comune. la pubblicità assumenva sempre maggiore importanza, prima nelle riviste e nei cartelloni pubblicitari per le strade, poi in televisione, oggetto che comincia proprio in questi anni ad essere presente in molte abitazioni private.
Lo stile di vita delle persone era molto migliorato rispetto ai decenni precedenti e questo benessere si sentiva in un clima generale di svago, divertimento, vacanze, automobili.. Insomma un clima dove il consumo diventava parola d'ordine.
La cultura anche si adattò a questo stile: deve essere a portata di tutti, il messaggio doveva essere semplice, intuibile con immediatezza, veloce. L'arte Pop è diventò lo specchio del campionario sociale, riuscendo a interpretare la caratteristiche della nuova società proprio perchè utilizzava il suo stesso linguaggio.


Andy Warhol, Automobile.













 In questo panorama emerse la figura di Andy Warhol, che utilizzò nuove tecniche artistiche, più vicine al mondo dei consumi di quanto non lo fossero le tele dipinte a olio del passato.
La serigrafia (di cui già nel post sull'invenzione della stampa) è la tecnica da lui prediletta, utilizzata nella maggior parte delle sue creazioni; queste sono caratterizzate dalla ripetizione dello stesso oggetto per un certo numero di volte, non solo nella stessa stampa, ma anche in tele differenti, con piccole variazioni, principalmente nei colori.
È questa la metafora della società dell'industria, della produzione in serie e del consumismo, dove le cose vengono prodotte in grandi quantità tutte uguali a se stesse, perdendo una propria unicità, diversamente da quanto accadeva nella società artigianale (su questo argomento si veda anche il post Tèchne e ars ).


Un esempio famoso di queste serigrafie sono i barattoli di zuppa Campbell's, un prodotto industriale tipico della nuova società moderna, in cui non c'è più tempo per cucinare piatti in casa:



Andy Warhol, Cambell's soup, 1968.


Oppure, la più celebre Coca Cola, un simbolo del periodo:

Andy Warhol, Bottiglie di Coca cola verdi, 1962.



 Ma Warhol va oltre al semplice aspetto “industriale” di oggetti della situazione portando la serializzazione anche sui visi delle persone famose, dallo star system come Marylin Monroe, Liz Taylor, Mao, Che Guevara, a Topolino.

Avere un ritratto proprio fatto da Andy Warhol nella sua Factory diventa una moda, un must, un oggetto di culto. Di questi personaggi Warhol riproduce solo il volto, senza paesaggio retrostante, poiché è l'immagine ciò che ormai conta nell'era del consumismo e i personaggi famosi sono diventati anch'essi degli oggetti di consumo.

Andy Warhol, Mickey Mouse, 1980.

Andy Warhol, Mao, 1964.



Andy Warhol, Marilyn, 1964.



L'arte prima e dopo l'invenzione della stampa

L'invenzione della stampa, attribuita a Johann Gutenberg che nel 1455 creò la prima Bibbia stampata, ebbe importanti conseguenze nell'arte; ne spiego il motivo.
Nel corso dell'Alto Medioevo, in assenza di grandi imperi e corti reali, la cultura si concentrò in piccoli centri sparsi nelle campagne, i monasteri. In questi luoghi erano presenti grandi biblioteche il cui compito era di conservare documenti, codici, volumi antichi e di proteggerli dalla distruzione; è grazie alle biblioteche dei monasteri se oggi possiamo leggere opere antiche del mondo latino e greco. Il libro fu per tutto il medioevo un luogo privilegiato per l’espressione della cultura artistica, in cui scrittura e immagini instaurarono un rapporto intimo e strettissimo. Il luogo centrale, in questo ambito, era lo scriptorium, la grande e luminosa sala in cui, servendosi della pergamena e dei colori prodotti e lavorati nello stesso monastero, i monaci ricopiavano i testi a mano, parola per parola.
E' in questo contesto che nacque l'arte della miniatura: tale parola deriva dal latino minium, termine che nell’età antica e nei primi secoli del Medioevo indicava il cinabro, ossia il solfuro di mercurio, sostanza di colore rosso usata nella pittura antica e adoperata per dipingere in rosso iniziali e titoli di testi scritti. in origine miniare significò dunque "scrivere con il colore rosso", ma più tardi si estese a indicare la decorazione e l’illustrazione di un testo scritto fino a diventare una vera e propria arte (da ricordare che durante il Medioevo, in assenza di grandi commissioni provenienti da sovrani o imperatori, si svilupparono maggiormente le arti minori, oltre la miniatura, l'oreficeria e la decorazione del vetro).

Nel corso del Duecento il centro di produzione del libro si spostò al di fuori del monastero; nuovi centri di esecuzione, decorazione e illustrazione dei manoscritti divennero la città, fatto legato allo sviluppo delle università, nuovi poli culturali. Il lavoro di scrittura e miniatura diventò un vero e proprio mestiere, esercitato da professionisti specializzati e organizzati. . Nel Trecento e nel Quattrocento il consumo di libri aumentò e sempre più numerosi furono i manoscritti realizzati per committenti laici che li utilizzavano ad uso privato, per lo studio, per la piacevole lettura, come sempre più numerose furono le miniature in esse presenti.
Mentre in principio la miniatura consisteva in una decorazione della prima lettera della pagina, successivamente le figure divennero sempre più grandi; il possedere volumi con molte miniatuire era motivo di vanto, data la raffinatezza di questa arte.
( per approfondire qui e qui)

Resurrezione, anonimo, secolo XV.

Frontespizio per codice di Virgilio, Simone Martini, 1340.

Lettera miniata.

Come già anticipato, l'invenzione della stampa modificò e successivamente "uccise" la miniatura.
In una prima fase le due furono affiancate: in vari libri stampati di fine Quattrocento comparirono illustrazioni di pagine e decorazioni di capoversi, segno che quest'arte restò ancora simbolo di prestigio e ricchezza. La seguente immagine ne è un esempio:

Pagina della Bibbia stampata da Gutenberg nel 1455.

Tuttavia l'invenzione della stampa portò alla nascita di nuove tecniche artistiche per l'illustrazione, che possedevano vari vantaggi: mentre le miniature erano difficili, costose e richiedevano molto tempo, queste, grazie alla stampa, erano veloci e riproducibili per un buon numero di volte, con immediata riduzione dei costi. Mi riferisco alle tecniche (che in alcuni ambiti artistici vengono ancora utilizzate) della puntasecca, dell'acquaforte dell'acquantina, della xilografia, della litografia e simili (delle quali al sito si si offre un'ottima descrizione); tutte si basano sulla presenza di una matrice (di legno, pietra, rame ecc) incisa con punte metalliche o lavorata con acidi. Utilizzate in partenza solo per testi scritti, questi sistemi di produzione possono oggi essere considerati delle forme d'arte, diffusi anche in epoche molto lontane dal Medioevo.

 Autoritratto, Rembrandt, 1630. Acquaforte.

Il sonno della ragione genera mostri, Francisco De Goya, 1797. Acquaforte e acquantina.

.

Serigrafia artistica,  Andy Warhol.