La guerra che diventa arte

Pino Pascali, nato a Bari nel 1935 e morto a Roma nel 1968, si formò nell'ambito della cinematografia e della scenografia e trasportò queste sue competenze in ambito artistico, unite ad un’ironia sottile ma pungente; la sua produzione fu molteplice e passò dalla pittura alla scultura.

Abbracciando una posizione polemica contro l’infantilismo di ogni guerra, nel 1965 elaborò un ciclo di opere dedicate alle armi, che costruì con pezzi di ferraglia dismessa, assemblando residuati meccanici, tubi, carburatori Fiat, rottami, tutti uniformati dal colore mimetico e capaci di dare l’impressione di veri ordigni. Pascali ricostruì cannoni, bombe, mitragliatrici quasi in scala reale, ma inutilizzabili. E' il suo modo di ironizzare sulla guerra, di giocare ai soldatini: ci sono molte foto in cui l'artista, in perfetta tenuta militare, posa, con piglio imbronciato e serioso, ma con evidente ironia, vicino a queste grandi armi, le quali solitamente sono portatrici di morte, mentre qui diventano dei giocattoli di grandi dimensioni.

Pino Pascali, Natura morta (cannone semovente), 1965.

Decise di far diventare le armi degli 'oggetti d'arte, visto che la libertà di un artista consiste anche nello svincolare la forma dal contenuto. Le armi non sono più sinonimo di distruzione, si svuotano del loro significato e diventano qualcos’altro: un gioco, un’ironia, una presa in giro, come era stata, secondo l’artista, la guerra che aveva vissuto da bambino.

Pino Pascali, Missile colomba della pace, 1965.

Pascali mise così in crisi anche il linguaggio della scultura e vi introdusse il concetto dell’ambiguità: chi vede per la prima volta le sue creazioni è impaurito, non sapendo se possano far del male o se siano finte. La costruzione è certamente falsata in tutto: nell’estrema cura dei dettagli (improbabile caratteristica di armi reali), nelle dimensioni (il cannone è grande ma non a grandezza naturale), nella struttura, che sembra vera, ma in cui vi sono anche cartoni, metalli, pezzi di scarto e rifiuti. La guerra viene reinventata come a sottolineare che tutto è finto, tutto è un gioco, anche nell’arte.

 Per approfondimento, si visiti il sito della Fondazione Museo Pino Pascali.

Pino Pascali, Contraerea, 1965.

Pino Pascali, Mitragliatrice, 1965.

L'Arte della seta e il fascino dell'Oriente

 La seta ha alle spalle una storia millenaria, infatti in Cina, dove veniva utilizzata sia come tessuto per abiti, sia per creare tappeti sia come supporti per pitture, si conosceva già nel 4000 a.C.
Essendo molto resistente e durevole (in natura costituisce infatti una protezione per il baco) ha sempre trovato molte applicazioni ed ha avuto grande diffusione in tutto il mondo.

Antica pittura su seta.

C'è una leggenda secondo la quale la regina  Se-ling-schi trovò una giorno nella propria tazza del the un bozzolo e mentre cercava di estrarlo, scoprì il lungo filo di seta.

Dunque la pittura su seta è un'arte nata proprio in Cina per la scrittura pittorica e per la creazione di quadri; le tecniche per la sua produzione furono tenute segrete per secoli, per poi diffondersi in tutto il Medio Oriente.
Già gli antichi Romani apprezzavano questo strano tessuto, che giungeva a Roma, non direttamente dai Cinesi, ma tramite la Via della seta.
Alcune fonti narrano che fu Cesare a portare dall'Anatolia alcune bandiere di seta dipinta con colori scintillanti.
Della seta parlò anche Plinio il Vecchio, secondo il quale sarebbe stata ricavata da alcuni strani alberi, infatti scrisse:
" I Seri sono famosi per la sostanza lanosa che si ottiene dalle loro foreste. Dopo un’immersione nell’acqua essi pettinano via la peluria bianca dalle foglie."
(Plinio il Vecchio, Storia Naturale, 23, 79)

Seta dipinta, Iran, metà del XIV secolo.

Seta orientale del Settecento.

In Italia la produzione della seta ebbe grande diffusione a partire dal Trecento, con centro in Toscana (Firenze e Lucca), dal Cinquecento a Bologna e dalla fine del Seicento in Piemonte.
la produzione e la lavorazione di questo tessuto è un'esempio di come l'arte possa influenzare e stimolare la ricerca tecnologica: si passò infatti dal lavoro manuale all'invenzione delle prime macchine per la torcitura del filo mosse manualmente a Firenze, all'utilizzo, nei mulini di Bologna e del Piemonte, di macchine mosse dalla forza dell'acqua.

Vittorio Zocca, Novo teatro. Struttura del torcitoio da seta a propulsione idraulica.

Vittorio Zocca, Novo teatro. Struttura del torcitoio da seta a propulsione idraulica.

Telo di seta del corredo funebre di Cangrande della Scala, prodotto in Iran o in Asia Centrale, inizio del XIV secolo.

Dal Settecento la produzione di seta europea andò in crisi e si iniziò ad importare il prezioso tessuto direttamente dalla Cina o dal Giappone. soprattutto in Francia la seta ebbe molto successo: i ventagli di seta pura usati dalle donne giapponesi divennero un articolo tipico della moda parigina e, neanche più tardi, l'interesse per la seta e l'arte orientale cessò di attrarre la fantasia di artisti e pittori europei.

Ritratto di Emile Zola, Manet, 1868.

Nello sfondo del ritratto di Zola si possono notare due elementi derivanti dalla cultura orientale; sulla destra una stampa raffigurante un uomo cinese e sulla sinistra una tenda di seta.

Ventaglio di seta realizzata da Edgar Degas nella seconda metà dell'Ottocento.

Ma l'Oriente non approdò nell'arte europea solo per la presenza e l'uso della seta: questo fu solo l'inizio che segnò la sempre maggiore influenza dell'arte orientale dovuta al grande fascino di una cultura lontana e diversa.  Grandi maestri dell'Impressionismo e del Post-impressionismo rielaborarono stampe cinesi e giapponesi e ne collocarono alcuni elementi nelle proprie opere. Di seguito ne propongo degli esempi.

Claude Monet, Stagno con ninfee: il ponte giapponese, 1899.

Hiroshige ichiryusai, Ponte del santuario di Tenjin a Kameido.

Utagawa Hiroshige, Neve a Asakusa (1845) - Claude Monet, Donna col parasole (1886).

 Keisai Eisen, La Casa della notte solitaria (1848 ca) - Toulouse-Lautrec, Moulin Rouge: la Goulue (1886).

Vincent Van Gogh, Ponte sotto la pioggia  -  Horoshige, Susino in fiore, 1887.

Per un'approfondimento sull'arte della seta e sul giapponismo, consiglio il libro Impressionismo,Van Gogh e il Giappone di Gioia Mori e il sito

Il Gotico e l'arte della vetrata: pittura di luce

L'arte della vetrata si sviluppò in stretto contatto con le esigenze dell'architettura gotica e con l'importanza che questa conferì alla luce.
L’epoca che si designa con il termine “Gotico” è molto estesa, essendo questo termine usato per indicare opere databili dal 1140 al 1540 circa e, più liberamente, definisce la civiltà del tardo Medioevo. Il gotico nacuq in Francia per poi diffondersi in tutta Europa, in modo particolare in Germania e in Inghilterra.
La grande rivoluzione del Gotico sta nell’architettura, soprattutto per quanto riguarda la struttura della chiesa; rispetto alla precedente struttura romanica, si assiste ad un innalzamento degli edifici, con forte verticalismo dello spazio, struttura a scheletro che disegna gli elementi portanti e svuotamento delle superfici non portanti, ossia delle pareti. È proprio nello spazio lasciato vuoto da queste che trovarono spazio le vetrate.



Assisi, Basilica superiore, Quadrifora con Storie della Genesi e Sante, 1270-1275 circa


Il primo testo che tratta della tecnica della vetrata risale all’inizio del XII secolo, intitolato De diversis artibus scritto dal monaco Theophilus, il quale affermò: “Da buon ricercatore mi sono affannato a scoprire quelle tecniche ingegnose grazie alle quali l’interno di un edificio possa essere abbellito con gran varietà di colori senza per questo impedire ai raggi e alla luce del Sole di penetrarvi”. 




Parigi, Sainte Chapelle, 1243-1248. Cappella superiore.

 

Parigi, Sainte Chapelle, 1243-1248. Cappella superiore.



La vetrata risolve il problema dell’illuminazione di grandi edifici quali chiese e cattedrali, svolgendo anche un altro importante ruolo: la luce che filtra dai vetri colorati ha nell’arte gotica un significato soprannaturale, conferisce all’edificio un’atmosfera sacra e separata dalla dimensione reale, in quanto rappresenta il divino.
L’immagine della vetrata vive solo in presenza della luce che l’attraversa; assomiglia a una serie di gemme incastonate o a superfici d’oro smaltato e anche per questo trasferisce in dimensione monumentale la preziosità e la forte simbologia religiosa dell’oreficeria, un’altra arte guida del Medioevo.
I soggetti più rappresentati sono avviamente di ambito religioso, ma sono presenti anche immagini dei committenti o finanziatori delle vetrate, ricche famiglie o corporazioni di mestieri.



Canterbury, Cattedrale, veduta dal coro, 1174.

 

Canterbury, Cattedrale, vetrata, 1174.


Per la realizzazione della vetrata si partiva da un’intelaiatura di ferro cui vengono fissati i pezzi di vetro di colori diversi tramite listelli di piombo scanalati. La pasta vitrea, colorata principalmente in rosso, verde, azzurro, giallo e porpora con ossidi metallici e diversi tempi di cottura, veniva soffiata in cilindri, poi tagliati per ottenere due fogli. Il modello del disegno veniva preparato su tavole spalmate di gesso, poi su stoffa o pergamena; sul modello venivano appoggiati i pezzi di vetro sui quali venivano tracciate le linee del disegno e che erano poi tagliati. Una volta fissata la struttura, il vetro veniva ripassato con pittura (grisaille) per conferire maggior luminosità e soprattutto per i dettagli dei volti.
   

Duccio Buoninsegna, Vetrata dell'abside del Duomo di Siena, 1288.

Parigi, Cattedrale di Notre Dame, 1163-1250.

Parigi, Cattedrale di Notre Dame, 1163-1250.

Questa tecnica era di difficile e costosa realizzazione e per questo motivo andò progressivamente a perdersi, finché nel Settecento si arrivò a dipingere direttamente su fogli di vetro trasparente.



Duccio Buoninsegna, particolare della vetrata dell'abside del Duomo di Siena.



L'arte prima e dopo l'invenzione della stampa

L'invenzione della stampa, attribuita a Johann Gutenberg che nel 1455 creò la prima Bibbia stampata, ebbe importanti conseguenze nell'arte; ne spiego il motivo.
Nel corso dell'Alto Medioevo, in assenza di grandi imperi e corti reali, la cultura si concentrò in piccoli centri sparsi nelle campagne, i monasteri. In questi luoghi erano presenti grandi biblioteche il cui compito era di conservare documenti, codici, volumi antichi e di proteggerli dalla distruzione; è grazie alle biblioteche dei monasteri se oggi possiamo leggere opere antiche del mondo latino e greco. Il libro fu per tutto il medioevo un luogo privilegiato per l’espressione della cultura artistica, in cui scrittura e immagini instaurarono un rapporto intimo e strettissimo. Il luogo centrale, in questo ambito, era lo scriptorium, la grande e luminosa sala in cui, servendosi della pergamena e dei colori prodotti e lavorati nello stesso monastero, i monaci ricopiavano i testi a mano, parola per parola.
E' in questo contesto che nacque l'arte della miniatura: tale parola deriva dal latino minium, termine che nell’età antica e nei primi secoli del Medioevo indicava il cinabro, ossia il solfuro di mercurio, sostanza di colore rosso usata nella pittura antica e adoperata per dipingere in rosso iniziali e titoli di testi scritti. in origine miniare significò dunque "scrivere con il colore rosso", ma più tardi si estese a indicare la decorazione e l’illustrazione di un testo scritto fino a diventare una vera e propria arte (da ricordare che durante il Medioevo, in assenza di grandi commissioni provenienti da sovrani o imperatori, si svilupparono maggiormente le arti minori, oltre la miniatura, l'oreficeria e la decorazione del vetro).

Nel corso del Duecento il centro di produzione del libro si spostò al di fuori del monastero; nuovi centri di esecuzione, decorazione e illustrazione dei manoscritti divennero la città, fatto legato allo sviluppo delle università, nuovi poli culturali. Il lavoro di scrittura e miniatura diventò un vero e proprio mestiere, esercitato da professionisti specializzati e organizzati. . Nel Trecento e nel Quattrocento il consumo di libri aumentò e sempre più numerosi furono i manoscritti realizzati per committenti laici che li utilizzavano ad uso privato, per lo studio, per la piacevole lettura, come sempre più numerose furono le miniature in esse presenti.
Mentre in principio la miniatura consisteva in una decorazione della prima lettera della pagina, successivamente le figure divennero sempre più grandi; il possedere volumi con molte miniatuire era motivo di vanto, data la raffinatezza di questa arte.
( per approfondire qui e qui)

Resurrezione, anonimo, secolo XV.

Frontespizio per codice di Virgilio, Simone Martini, 1340.

Lettera miniata.

Come già anticipato, l'invenzione della stampa modificò e successivamente "uccise" la miniatura.
In una prima fase le due furono affiancate: in vari libri stampati di fine Quattrocento comparirono illustrazioni di pagine e decorazioni di capoversi, segno che quest'arte restò ancora simbolo di prestigio e ricchezza. La seguente immagine ne è un esempio:

Pagina della Bibbia stampata da Gutenberg nel 1455.

Tuttavia l'invenzione della stampa portò alla nascita di nuove tecniche artistiche per l'illustrazione, che possedevano vari vantaggi: mentre le miniature erano difficili, costose e richiedevano molto tempo, queste, grazie alla stampa, erano veloci e riproducibili per un buon numero di volte, con immediata riduzione dei costi. Mi riferisco alle tecniche (che in alcuni ambiti artistici vengono ancora utilizzate) della puntasecca, dell'acquaforte dell'acquantina, della xilografia, della litografia e simili (delle quali al sito si si offre un'ottima descrizione); tutte si basano sulla presenza di una matrice (di legno, pietra, rame ecc) incisa con punte metalliche o lavorata con acidi. Utilizzate in partenza solo per testi scritti, questi sistemi di produzione possono oggi essere considerati delle forme d'arte, diffusi anche in epoche molto lontane dal Medioevo.

 Autoritratto, Rembrandt, 1630. Acquaforte.

Il sonno della ragione genera mostri, Francisco De Goya, 1797. Acquaforte e acquantina.

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Serigrafia artistica,  Andy Warhol.